Le neuvième long métrage de Quentin Tarantino, Once Upon a Time in Hollywood, est un triomphe au niveau du design en production. Chaque petit détail a fait l’objet d’une attention particulière pour transporter le spectateur à Los Angeles en 1969. L’âge d’or d’Hollywood et où la contre-culture étaient en train de s’effondrer et de brûler. Leurs participants essayant désespérément de s’accrocher à la personne la plus proche ou de passer d’une esthétique à l’autre dans un souci de pertinence. Le film de Tarantino capture avec éclat la beauté et la misère de tout cela. Depuis les somptueuses maisons de la tristement célèbre Cielo Drive jusqu’à la décrépitude poussiéreuse de l’actuel Spahn Ranch tout aussi célèbre.
Si vous reconnaissez ces deux endroits, vous savez où cela mène : Tarantino a attaché sa fantaisie nostalgique et évocatrice aux meurtres brutaux et réels de l’actrice Sharon Tate et de quatre autres membres de la secte dirigée par Charles Manson le 9 août 1969. Mais avant même d’en arriver là, le cœur de Once Upon a Time in Hollywood est la relation entre Rick Dalton (Leonardo DiCaprio) et son cascadeur Cliff Booth (Brad Pitt), tous deux vieillissants hors de la scène hollywoodienne et peu sûrs de leur avenir.
La base de l’histoire
Booth et Dalton reflètent le passé d’Hollywood. Des hommes qui ne savent pas où ils se situent dans les temps qui changent. Tandis que Sharon Tate (Margot Robbie) est moins une personne réelle et plus une distillation idéalisée de l’optimisme, de l’espoir et du rayonnement de la jeunesse. Un esprit d’amour, de paix, d’innocence qui a été si brutalement écrasé par les meurtres Manson et autres événements sociaux que la teneur du pays et les temps ont profondément changé en quelques années. Pendant deux jours, à six mois d’intervalle, les chemins de Rick, Cliff, Sharon et d’autres, y compris d’autres acteurs hollywoodiens réels, les » hippies sales » du clan Manson. Et plus encore se croiseront dans des chemins qui pourraient changer la vie.
Ça a l’air d’être une sacrée photo, non ? Et pour une partie de ses 160 minutes d’autonomie, Once Upon a Time in Hollywood touche à la grandeur. Mais comme il s’agit d’un joint de Tarantino, et qu’il a l’intention d’obtenir tout ce qu’il peut sur l’écran sans montage ni filtre. Once Upon a Time in Hollywood ne s’est jamais vraiment intégré dans l’élégie douce-amère, drôle et acide, en mouvement d’une époque que Tarantino pourrait avoir fait disparaître. Au lieu de cela, nous obtenons un film épique, décousue, parfois scintillant, que le réalisateur trempe inévitablement dans son propre bain de sang excessif.
La touche Tarantino
Tarantino s’est désintéressé du rythme cinématographique moderne au fil des années et Once Upon a Time in Hollywood ne fait que le souligner à nouveau. Les scènes durent longtemps. Mais ce qui reste impressionnant dans le travail de Tarantino, c’est qu’il y a des passages qui ne vous dérangent pas. C’est en grande partie grâce à sa distribution spectaculaire. Le MVP ici présent est Pitt, qui donne sa meilleure performance depuis des années : son Booth a ses regrets et s’inquiète de ses perspectives. Mais il garde aussi son sang-froid, son bon sens et sa boussole morale (même si sa carrière a été perturbée par les rumeurs sur la mort de sa femme).
L’histoire tourne autour de la relation entre l’acteur et son cascadeur
Booth est l’ancre de Dalton, dont l’insécurité, l’alcoolisme et le narcissisme de bas niveau sont habilement gérés par DiCaprio. La carrière de Dalton a culminé il y a huit ans avec sa série Bounty Law, et maintenant il s’accroche à tout ce qu’il peut. Jouant des méchants invités dans d’autres émissions et réfléchissant à une offre d’un producteur (Al Pacino, tout droit sorti du casting central dans une brève apparition) pour voler outremer et jouer dans une série de Spaghetti Westerns. Incapable de conduire après la suspension de son permis de conduire pour conduite en état d’ébriété, Dalton compte sur Booth pour le transporter, faire des réparations à sa maison. Et, en général, éviter que sa vie ne se transforme en un gâchis complet.
Leur relation et leur loyauté inébranlable envers une industrie qui leur ferme lentement ses portes est au cœur du film. C’est aussi vraiment émouvant à sa façon, comme l’est le portrait de Robbie de Tate. Pour Tarantino, Tate représente une innocence à propos du show business qui se réalise mieux dans une scène où Tate plonge au Bruin Theater à Westwood pour regarder The Wrecking Crew. Dans lequel elle apparaît aux côtés de Matt Helm, de James Bond de Dean Martin. En écoutant et en regardant autour d’elle les spectateurs qui rient et réagissent à sa performance, Robbie rend le plaisir de Tate palpable et sincère. La joie pure et non filtrée de faire des films captée dans son sourire éclatant.
Un tissage moins habile qu’à l’accoutumer
Des scènes comme celle-ci et d’autres disséminées à travers le film, dont beaucoup impliquent Pitt, offrent les plaisirs de Once Upon a Time in Hollywood de façon intermittente. Mais comme c’est de plus en plus souvent le cas, Tarantino est tellement amoureux de ses propres dialogues, de ses récréations/créations affectueuses d’émissions de télévision réelles et fictives, de films de l’époque (jusqu’aux spots publicitaires) et de ses hommages aux icônes du vieux Hollywood qu’il oublie de tout tisser ensemble de la même façon élégante et habile qui fait briller ses meilleures œuvres. Il a même besoin de Kurt Russell pour intervenir et raconter plusieurs sections.
Once Upon a Time : Acte 3
Ainsi, lorsque la violence se manifeste, certes moins que dans n’importe quel autre film de QT. C’est sûr c’est le même carnage criard, exagéré et caricatural dont on ne sait jamais s’il faut rire ou grimacer, surtout quand il s’agit de femmes. On a l’impression, sur le plan de la voix, qu’elle est à peu près nulle part, comme dans les films précédents du metteur en scène, de ne rien voir. Elle est aussi, par conséquent, plus secouante et gratuite. Il y a ici des spoilers que nous ne pouvons pas aborder pour l’instant, mais il suffit de dire que le troisième acte de Once Upon a Time in Hollywood ressemble presque à un film différent et moins accompli.
Mais c’est maintenant la voie Tarantino, semble-t-il : tout son talent considérable, sans parler de celui de ses acteurs et de son équipe. Et nous pouvons continuer à féliciter sans cesse DP Robert Richardson, la costumière Arianna Phillips et la directrice musicale Mary Ramos, entre autres. D’avoir donner un aperçu de la réalisation supérieure qui se heurte aux pires impulsions du cinéaste. Bien qu’il semble y avoir un thème dans le film, peut-être le plus personnel de Tarantino à bien des égards. On quitte le cinéma en se demandant exactement à quoi il voulait en venir.
